El taller propone una exploración visual y reflexiva sobre la Dirección de Fotografía en el
lenguaje audiovisual, abarcando desde las estéticas del cine mainstream hasta los gestos
del cine de autor. Se aborda no solo como una cuestión técnica, sino como una forma de
narrar, posicionarse y construir mundos a través de la imagen.

La propuesta busca desarrollar una mirada consciente y personal, entendiendo que cada
elección —de luz, encuadre, color, movimiento, entre otras— es una herramienta expresiva
y una toma de posición frente al relato.

A partir del análisis de escenas, fotogramas y referencias visuales diversas, vamos a pensar
cómo se crean atmósferas, puntos de vista y estilos. Se trata de pensar nuestro hacer, de
mirar a través de la cámara, del qué y cómo recortar, decidir, dar forma y observar lo que
nos rodea con detenimiento.

Trabajaremos con herramientas teóricas, ejercicios prácticos y materiales de distintos
géneros y estilos, entrenando una mirada crítica y sensible. En una época saturada de
imágenes, este taller es una invitación a mirar con pausa, a recuperar el asombro y a
convertir cada elección visual en una forma de sentido.

¿A quién está dirigido?
Estudiantes de cine y artes audiovisuales, directorxs, fotógrafxs, o cualquier persona
interesada en el lenguaje audiovisual, tanto desde lo narrativo como desde lo sensorial. No
es necesario contar con equipamiento; solo se requieren ganas de mirar con atención,
pensar en imágenes y explorar cómo el cine ve el mundo.

Clase 1: La dirección de fotografía como lenguaje narrativo y expresivo
Objetivo general: Introducir a lxs estudiantes en el rol de la dirección de fotografía como
herramienta fundamental en la construcción de sentido en el lenguaje audiovisual. Analizar
cómo las decisiones afectan la narrativa y la experiencia emocional del espectador.
Contenidos: La dirección de fotografía como lenguaje más allá de lo técnico. La imagen
como traducción de atmósferas, emociones e ideas. Análisis comparativo de escenas o
fotogramas: distintas miradas sobre una misma situación. Identificación de decisiones clave:
cámara, luz, color, encuadre, punto de vista. Códigos narrativos y estéticos: estilos visuales
entre el cine mainstream y el cine autoral.
Clase 2 – La cámara como punto de vista: encuadre, distancia y movimiento
Objetivo general: Explorar el uso de la cámara como una herramienta expresiva
fundamental para construir sentido, mirada y vínculo con lo representado. Entender cómo el
encuadre, el ángulo, la distancia y el movimiento modelan la percepción emocional y
narrativa de una escena.
Contenidos: ¿Quién mira?, ¿desde dónde?, ¿para qué?. Encuadre y composición: lo que
se muestra, lo que se oculta, lo que se sugiere. Distancia y tamaño de plano. Altura, eje y
ángulo. Movimiento. Relación entre cámara, personaje y espectador.
Clase 3 – La luz como construcción de atmósfera, sentido y mirada
Objetivo general: Explorar el uso de la luz como una herramienta narrativa y expresiva
fundamental en la construcción de la imagen. Entender cómo las decisiones lumínicas
definen climas, emociones y cómo estas elecciones pueden responder a una mirada
personal sobre lo que se quiere contar.
Contenidos: Elementos fundamentales: dirección, calidad, temperatura, intensidad,
contraste. Sombra, penumbra y oscuridad. Luz natural vs artificial: ¿cómo elegimos?. Tomar
lo inesperado de la realidad a favor. La relación con el género y el estilo.
Clase 4 – Hacia una mirada propia: presentación de propuestas y cierre
Objetivo general: Brindar un espacio de síntesis donde lxs estudiantes puedan presentar,
compartir y reflexionar sobre sus decisiones visuales, reconociendo el proceso de
construcción de una mirada personal a través de la luz, la cámara y la intención narrativa.